Eu sempre gostei do Savatage, embora a banda sofra de um mal que assola grandes nomes do Heavy Metal. Não estou falando do Ego e sim da péssima qualidade de gravação de seus discos. Grandes clássicos da banda parecem que foram gravados dentro de uma caixa de papelão. Você pode até dizer que isso é coisa dos anos 80, que as bandas não tinham grana, mas isso é uma grande balela. Podemos até admitir que os primeiros discos possam passar por esse problema, mas estou falando de quase toda a discografia, inclusive dos discos mais importantes. Outro que sofre desse grave problema é o Manowar, embora nos últimos 10 anos a coisa tenha melhorado muito para o lado deles. Como o Savatage é uma banda finada (ou em hibernação), não tem mais jeito de salvar. Diria que apenas seus 2 últimos discos (The Wake of Magellan e o Poets and Madmen) escaparam desta sina.

Mas, o que importa é que tenho agora em mãos a coletânea Sill the Orchestra Plays – Greatst Hits Volume 1 & 2 que chega em formato triplo contendo dois discos de música e um DVD com o show Live in Japan 1994 que nunca tinha saído antes em DVD. A coletânea é de 2010 e nos presenteia com 23 músicas que percorrem toda a carreira desta banda que nos brindou com clássicos absolutos do Heavy Metal e também com algumas músicas bem ridículas. Bem, ninguém é perfeito. O primeiro CD é marcado por músicas da primeira fase da banda e conta com pedradas como Hall of the Montain King (a primeira música da banda que ouvi em minha vida no extinto Fúria Metal da MTV), Gutter Ballet, When the Crowds Are Gone e Edge of Thorns, que possuem uma pegada mais metal e menos progressiva. O segundo disco contempla os álbuns que já estão dentro da fase mais progressiva da banda e temos músicas como Chance, The Wake of Magellan, Morphine Child, One Child e versões acústicas (piano) para Anymore, Not What You See e Out on the Streets. Fica aqui minha total decepção por está coletânea não contar com Believe (uma das mais fodásticas músicas da banda) e Alone You Breathe.

Agora vamos falar do que não presta. Infelizmente o disco vem em um digipack de papelão. Odeio caixas de papelão. Elas são bonitas no começo, mas são difíceis de guardar e com o tempo elas simplesmente derretem e ficam todas marcadas pelo uso. Uma verdadeira porcaria. Sem falar que, nesse caso, quando fechamos a caixa um CD fica logo abaixo do DVD e os dois estão ficando riscados pelo atrito. Falando em DVD, esse é mais um caso grave. A grande propaganda da caixa é que esse show nunca antes havia sido lançado em DVD. O Show data de 1994, ano em que a banda estava no auge de sua popularidade e qualidade. Então deveria ter sido feita uma edição caprichada, não é? Pelo contrário, simplesmente pegaram a fita VHS e jogaram no formato digital sem um cuidado especial com a qualidade de imagem ou som. Eu simplesmente não consegui assistir o show até o fim. Péssima qualidade sonora.

Fica a dica. Ótima coletânea com um tratamento muito ruim. Mas, pelo menos o preço cobrado pela caixa não é nada exorbitante.

Parece que foi ontem que comprei o meu primeiro disco do Rhapsody. O ano era 1997, uma ótima época para comprar discos importados, pois o Real estava acoplado ao Dolar, então muita coisa boa e inédita chegou a nossas mãos ao mesmo tempo em que eram lançadas no exterior. Você que não viveu aquela época deve achar isso estranho, mas não tínhamos internet e um disco ser lançado no Brasil demorava muito tempo. Voltando ao Rhapsody, a banda entrava em um terreno totalmente novo. Tudo bem que as bandas de Heavy Metal melódico já flertavam com a música clássica desde a década de 1980, mas os caras levaram tudo ao extremo com orquestrações gigantescas e seus temas épicos falando de guerreiros, unicórnios, senhores do mal e batalhas épicas. Tudo que o fã de Heavy Metal gosta.

A banda lançou vários álbuns (uns melhores, e outros piores) e depois de vários anos na estrada aconteceu o que muitos achavam inevitável. Os dois mentores da banda, o tecladista Alex Staropoli e o guitarrista Luca Turilli, decidiram seguir caminhos diferentes. Nada mais justo, pois o ego gigantesco dos dois não podia mais habitar o mesmo ambiente. Luca Turilli foi mais rápido e lançou o disco de seu projeto solo que leva na capa o seu nome e também o nome da banda antiga, para poder capitalizar um pouco sobre o sucesso do passado. Primeira coisa a notar nesse Ascending to Infinity é a arte gráfica da capa. Trabalho muito bacana e ao mesmo tempo um pouco clichê, mas ninguém está reclamando.

Colocando o disco na vitrola temos uma introdução um pouco bizarra, que nada lembra os bons discos de heavy metal, mas logo temos a primeira música do disco, justamente a Ascending to Infinity, que nos remete diretamente ao Rhapsody. Isso mesmo meus amigos. O indivíduo sai de uma banda, monta outra e continua fazendo o mesmo tipo de música. Aliás, não exatamente a mesma, pois creio que aqui temos uma intensificação da parte orquestrada, algo que sua banda original vinha abrandando nos últimos discos. E por conta disso o álbum é ruim? Não, apenas previsível. Para os fãs do Rhapsody ele vai se encaixar como uma luva.

Embora todas as músicas mantenham o mesmo nível de qualidade, seria injustiça não destacar a ótima Dante’s Inferno, com seu refrão grudento, e a poderosa Excalibur, música que faz você ter vontade de brandir sua espada. Depois de muito violino, flautas e solos de quitarra grandiosos, o disco fecha com a já tradicional faixa gigante (16 minutos) chamada de Of Michael The Archangel and Lucifer’s Fall. Tudo muito bonitinho e fofo para agradar o fã do lado mais fofo do Heavy Metal. Digo que o único ponto extremamente negativo do disco é justamente o vocalista. Ele não chega a ser ruim, mas o timbre de sua voz me lembra da época em que todo vocalista de bandas nacionais tentavam parecer o André Matos. Por outro lado, esse deve ser um dos poucos discos do estilo em que o contrabaixo pode ser ouvido em diversos trechos das faixas.

Existem várias versões a venda do disco e com diferentes extras. Esse que se encontra em minhas mãos possui como extra um cover para March of Time do Helloween (bons tempos). Em resumo, não é um disco que vai mudar sua vida, mas vai te garantir alguns momentos de diversão e depois vai ficar na pilha de CDs que você vai ouvir uma vez por ano.

O mundo do Rock e do Heavy Metal é uma caixinha de surpresas. Por mais anos de estrada que a gente tenha dentro do estilo, sempre existem ótimas bandas que não conhecemos. Aconteceu isso com o Mago de Oz, uma banda que não é recente e executa um energético Heavy Metal misturado com musica Folk. A grande diferença aqui é que a galera é da Espanha e canta em seu idioma pátrio. Em um mundo dominado por bandas que cantam em inglês, até que isso é um diferencial bacana.

Porém, a minha jornada de conhecimento para essa nova banda começou com um toque de meu amigo Márcio Martilio, que ao ver no facebook algumas fotos que fiz de uma escola de dança do ventre, me alertou que as imagens lembravam a ele um pouco da música do Mago de Oz. Claro que falei para ele que a banda era uma ilustre desconhecida para mim e o mesmo me indicou alguns discos. Foi amor a primeira vista.  Quando notei que os caras cantavam em espanhol fiquei um pouco ressabiado. Coisa de nosso velho preconceito contra idiomas que não são o inglês. Porém, esse preconceito deve advir do fato de nunca ter encontrado uma boa banda de Heavy Metal que cante em português, ou mesmo em espanhol.

O Mago de Oz consegue cumprir essa tarefa. É uma banda que mistura rock, metal e música folk com uma competência impar. Infelizmente só consegui ouvir discos baixados da net. É meio complicado achar discos deles aqui no Brasil. A maioria é de versões importadas. Consegui comprar alguns na Argentina que ainda não chegaram. A produção da banda também se baseia em discos temáticos, seguindo uma tradição muito bem alicerçada do Heavy Metal mundial. Quanto ao som, bem, vocês podem ver um pouco no vídeo abaixo onde temos a música La Posada de Los Muertos, a composição que mais gostei da banda. Temos os instrumentos normais de uma banda de rock, além do violino, da flauta e do acordeom. Esse grande número de instrumentos também faz a banda ser uma das maiores que já tive notícia. Atualmente são nove membros e, infelizmente, o vocalista José Andrëa deixou a banda em 2011. Não sei como eles vão se virar sem esse importante membro.

Vejam abaixo um pouco do Mago de Oz ao vivo e esperem pelas resenhas dos discos que estão por chegar.

Se você começou a ouvir heavy metal nos anos 80 ou 90 então deve conhecer o Megadeth. A banda capitaneada por Dave Mustaine já foi aclamada como uma das principais dentro do Thrash Metal e gravou discos que são obrigatórios para quem gosta de um pouco de violência, melodia e boas letras. Agora, em 2012, o álbum que é o divisor de águas na carreira da banda está completando 22 anos. Mas, para entender um pouco esse impacto temos que voltar no tempo.

Dave Mustaine fez parte das primeiras formações do Metallica. Infelizmente ele estava mais interessado em beber e arranjar encrencas do que fazer música com o grupo. Em um belo momento ele foi defenestrado da banda e, com um pouco de revolta, decidiu montar seu próprio grupo onde seria o Big Boss. Deste rolo todo é que nasceu o Megadeth. Os primeiros álbuns do grupo eu indico apenas para aqueles que realmente são fãs die hard do grupo, pois temos um monte de músicas emboladas, mal gravadas e com a voz de pato de Mustaine (sei que vou levar pedradas depois disso), mas em algum momento no final da década de 80 as coisas começaram a mudar.

Depois de lançar três álbuns Mustaine decidiu reformular a banda e seguir um direcionamento menos podre e mais ténico em seu trabalho. Foi nesse contexto que em 1990 a banda lançou o álbum Rust in Peace. Com uma capa bacaninha (utilizando o mascote da banda, o Vic Rattlehead) e nove músicas matadoras, o Megadeth entrou para a história. Não digo isso apenas porque o álbum é bom, mas porque ele é fenomenal. Foi a partir desta produção que passamos a prestar atenção nas intrincadas guitarras base de Mustaine. No heavy metal muitos dão atenção para o solo das guitarras, mas o Rust in Peace nos mostrou que a guitarra base pode ser tão ou mais criativa do que o solo.

O disco é composto por 9 faixas de grande qualidade, mas impossível não destacar 5 delas como grandes clássicos do Heavy Metal. O disco abre com a poderosa Holy Wars… The Punishment Due com uma introdução instrumental que gruda na cabeça, várias mudanças de ritmo e um tema que se mostra atual até hoje: a guerra santa. A música é longa, mas se tornou um vídeo clipe muito bacana. Em seguida temos a animada Hangar 18 que mostra uma levada contagiante e fala sobre experimentos com alienígenas na área 51. Uma boa mostra do que seria o Megadeth a partir deste álbum. Em seguida temos três músicas que são ótimas em mostrar o lado mais cru da banda, mas mesmo assim mantendo as características técnicas da nova fase que se iniciava. Elas são Take No Prisoner, Five Magics e Poison Was the Cure. Pancadaria da melhor qualidade.

Em seguida temos Lucretia, que provavelmente tem a letra mais alucinada de todo o disco. Seguindo a bolachinha, encontramos Tornado of Souls que é, simplesmente, a melhor música que o Megadeth já fez em toda sua carreira. Pode parecer um pouco de alucinação de minha parte, mas quem ainda não ouviu não sabe o que está perdendo. Muitos dizem que a letra é sobre o fim de um relacionamento de Mustaine, mas eu acredito que é sobre a própria condição humana, o mundo de regras em que vivemos e a contestação nata que encontramos no ser humano. Em seguida temos a bela e soturna Dawn Patrol com o baixo fulminante de David Ellefeson. Fechando a obra prima encontramos Rust in Peace… Polaris cujos três estrofes principais são contagiantes. O tema é a Guerra Nuclear e o ritmo da música é cheios de adrenalina e fazem qualquer fã de música pesada sair pulando pela casa.

Eu digo que este foi o primeiro disco sério do Megadeth. O primeiro de três discos que simplesmente moldaram o estilo da banda e foram responsáveis por levar o grupo ao mega estrelato. Os outros dois discos, Countdown to Extinction (1992) e Youthanasia (1994), são histórias para um outro texto. Rust in Peace foi gravado por Dave Mustaine (vocal, guitarra), Marty Friedman (guitarra), David Ellefson (baixo) e Nick Menza (bateria). No ano passado, Mustaine lançou uma versão remasterizada do disco. A capa é um pouco diferente e, infelizmente, algumas gravações originais do vocal foram perdidas, fazendo com que ele cantasse novamente nessas faixas. Lógico que ficou um pouco diferente do original. Muitos fãs reclamaram, mas eu acho um bom item de colecionador.

Launch the Polaris, the end doesn’t scare us
When will this cease
The warheads will all rust in peace

Demorei muito para escrever este texto. Minha mente não conseguia se decidir se gostava ou não deste disco. Antes de falar dele gostaria de deixar claro que sou um grande fà do Within Temptation. Adorava o estilo europeu de misturar heavy metal com a temática gótica e dark. O mais bacana é que a banda possuía apenas um vocal feminino. Nada dos vocais guturais para dar uma contrapartida à suavidade da voz feminina. A voz de Sharon den Adel era perfeita. A moçoila cantava basicamente em falsete utilizando muito vibrato. Acho que era interessante porque era diferente. Ela não tentava copiar o vocal operístico do Nightwish como 90% das bancas com vocais femininos. Mother Earth (2001), por exemplo, é uma obra prima de melodia e emoção. Mas, algo mudou.

No penúltimo disco da banda, o bacana The Heart of Everything (2007), algo já estava acontecendo. O disco estava mais pesado, os vocais mais tradicionais e quase toda a carga de emoção e clima onírico havia desaparecido. Juro que foi uma das poucas vezes que me assustei com a mudança drastica de uma banda. Depois disso veio um disco acústico (An Acoustic Night at the Theatre) onde existia uma música bônus chamada Utopia. A música é muito legal, mas é totalmente diferente de tudo que a banda já havia feito. Um primeiro alarme já tocou em minha mente com o aviso de que o Within Temptation estava no mesmo caminho que havia destruído várias ótimas bandas europeias: a americanização de sua música.

Sim meus amigos. O mercado americano é o mais forte do mundo, e para entrar lá a sua música tem que seguir os moldes do país ianque. Nightwish e Lacuna Coil passaram por isso e eu simplesmente abandonei as bandas. Agora pode ser a vez no Within Temptation. O novo disco lançado em 2011, The Unforgiving, pode ser definido secamente com apenas uma palavra. Ele é POP. As guitarras desapareceram, varias batidas eletrônicas foram adicionadas, a voz de Sharon den Adel está esganiçada e as músicas estão com refrãos bem comerciais, daqueles que não desgrudam de sua cabeça. Isso torna o disco ruim? Claro que não, mas eu consumia o Within Temptation por causa do diferencial. Se eles vão soar como qualquer outra banda americana com vocal feminino então não preciso mais comprar os seus discos. Aliás, este é um fenômeno interessante. Toda essa onda de metal e rock pesado com vocal feminino começou na Europa. Depois apareceu o Evanescence sem nenhum tipo de novidade e vendeu milhões de cópias. Agora todas as bandas que foram pioneiras querem parecer com o Evanescence. Vai entender.

O disco possui 12 músicas que, do ponto de vista da composição, são muito parecidas. A bateria e o teclado se destacam muito, deixando a guitarra fica em segundo plano. O contrabaixo, como de costume, é praticamente inaudível. Uma nova característica aqui é a maior quantidade de solos de guitarra no meio das músicas. Nos discos anteriores isso era mais raro. Destaques óbvios são a segunda música Shot In The Dark que começa com uma batidinha eletrônica irritante, mas depois melhora muito. Em seguida temos a pedrada In The Middle Of The Night que faz você cantar junto o refrão. Também temos Faster, a música que se tornou vídeo clipe deste disco. Porém, a música mais comercial, e ao mesmo tempo a mais rápida do disco, é Iron onde podemos destacar um ótimo trabalho da bateria. Logo depois temos a música Sine�ad que poderia muito bem ter sido gravada pela Avril Lavigne. Sério mesmo, pode tocar em qualquer FM do Brasil sem problema. Finalizando a seleção te melhores músicas temos Lost que é uma última suspiro de sobrevivência do antigo estilo da banda. Está é, com certeza, a melhor música do disco.

Embora seja um disco comercial ao extremo e não lembre absolutamente em nada o estilo que tornou a banca famosa, este disco não pode ser classificado como ruim. Dentro de sua proposta ele é bem sucedido. Já vi muita resenha pela internet babando o ovo sobre a produção, mas a maioria é de moleques que devem ter começado a ouvir rock com o Evanescence e outras bandas americanas. Ai fica fácil gostar do disco.

Acho que estou passando por um momento de melancolia. Ando ouvindo muita coisa dos anos 80 e entre elas diversos álbuns do Queen. Não é segredo que sou um grande fã da banda e meu único arrependimento foi descobrir a genialidade do grupo muito tarde. Em minha adolescência radical Heavy Metal eu  não gostava do grupo. Como todo jovem de cabeça vazia só gostava de Iron Maiden, Metallica e outros grupos mais pesados. Mas, consegui fugir do abismo da ignorância e hoje me considero uma pessoa mais culta.

Entre os discos que mais estão rolando aqui em casa está o lançamento de 1986, A Kind of Magic. Não é o disco mais pesado do grupo. O Queen já se encontrava em sua fase mais Pop, mas isso não quer dizer uma queda de qualidade. Temos que parar de associar a palavra Pop com coisa ruim. É apenas mais uma vertente musical. Tem coisas legais e outras nem tanto. O disco abre com a poderosa One Vision e logo depois pela música título A Kind of Magic. A banda considera que estas duas músicas são uma criação coletiva de todo o grupo, aproveitando o clima positivo que tiveram logo após o festival Live Aid. Uma curiosidade interessante é que este foi primeiro disco do Queen em que o título do álbum também era uma das músicas. Outro lance bacana é que o disco foi considerado a trilha sonora oficial do filme Highlander.

Na terceira música temos a balada One Year of love, que foi escrita por John Deacon e mostra o lado mais romântico da banda. Em seguida temos Pain is so Close to Pleasure, que nos mostra aquelas batidas estranhas que o Queen gostava de introduzir em algumas de suas canções. Em seguida temos Friends Will be Friends, uma das músicas que mais me tocam neste disco. Além da letra muito legal, está é uma das últimas músicas do Queen em que Mercury toca junto ao piano. Freddie sempre valorizou a amizade em suas canções, e está é mais um exemplo. A próxima música, Who Wants to Live Forever é um clássico absoluto e fatalmente conhecida por todos que viveram os anos 80. Foi o tema romântico do filme Highlander e a única música do Queen que é lembrada por todos neste filme. Mas, quase todas as canções de A Kind of Magic tiveram uma pequena participação no filme.

Logo depois temos duas músicas enigmáticas. Gimme the Prize é pesada e caótica em algumas passagens. Muito diferente das outras canções do disco. Ela foi o tema do vilão do filme, Kurgan, e em alguns momentos é possível ouvir algumas frases dos personagens ditas no filme. Procurem pelas eternizadas “I have something to say: It’s better to burn out than to fade away” de Kurgan ou ”There can be only one” de MacLeod. Uma verdadeira viagem cinematográfica. Já a próxima música, Dont Lose your Head (indicação melhor que está para o filme não existe), é a música mais datada do disco e a única que você não vai lembrar quando tentar elencar as melhores músicas do Queen.

E finalmente, temos a melhor música do disco. Princes of the Universe é um trabalho magnífico. É a única música do disco creditada somente a Freddie Mercury e se mostra um trabalho complexo e, por incrível que pareça, muito pesado. Faz muita bandinha iniciante de Heavy Metal  (e até algumas mais experientes) parecerem menininhas assustadas. O clipe da música, que só descobri recentemente, mostra várias cenas do filme e, em um momento, Mercury cruza espadas com MacLeod. Uma música para ouvir várias vezes seguidas e que vai trazer lágrimas a seus olhos.

São apenas nove músicas com pouco mais de 40 minutos de duração. Estamos falando de uma época em que a quantidade de músicas influenciava diretamente na qualidade sonora do disco. Duas curiosidades sobre o disco é que ele foi um grande sucesso na Inglaterra ficando em 1º lugar nas paradas por diversas semanas, mas nos Estados Unidos teve uma recepção apenas morna. Este foi o último disco que contou com uma turnê mundial do Queen por conta da doença de Freddie Mercury e sua debilitação física.

Se você não tem essa preciosidade então corra e compre. É relativamente fácil encontrar todos os discos da banda.

Uma das coisas que estão me deixando triste neste último ano são os caminhos que o Angra vem tomando. Recentemente se envolveram em mais uma polêmica por conta do show que apresentaram durante o Rock in Rio. Foi notícia em todos os sites de música que a banda fez uma apresentação horrível durante o festival. Depois veio aquela troca de acusações. A banda acusava a transmissão do Multishow de não lançar toda a qualidade de som para os telespectadores, mas quem mais reclamava da péssima performance eram as pessoas que estavam presentes. Não dava para culpar a TV por conta deste detalhe.

Durante a Virada Cultural Paulista deste ano, o Angra se apresentou aqui em Presidente Prudente. Eu voltava a ver a banda depois de 10 anos. Tinha assistido o show da turnê do álbum Rebirth e tinha ficado impressionado. Eu era um dos fãs que não ficaram muito felizes com a saída de André Matos, um dos grandes vocalistas do metal nacional. Porém, o disco novo era muito legal e Edu Falaschi se mostrou um bom substituto. O vocal era diferente, mas com igual qualidade. O show que assisti neste ano não tinha nada ha ver com o do passado. Estavam divulgando o apenas mediano disco Acqua e a apresentação foi burocrática, sem muita inspiração e o som estava igualmente horrível. Talvez problemas técnicos estejam perseguindo os meninos.

Antes do show do Rock and Rio o próprio Edu Falaschi já tinha feito algumas declarações ácidas a respeito da banda indicando que estava cansado de apenas tocar por dinheiro, que estava faltando espírito para a banda. Qualquer um que entende um pouco de música já tinha notado que a coisa estava caminhando ladeira a baixo. Depois do show vários sites já tinham decretado o fim do grupo, mas os membros reagiram com certa violência nas declarações afirmando que o Angra não iria acabar. Porém, o vocalista contra atacou dizendo que estava entrando em um período de descanso por tempo indeterminado e que não voltaria a cantar as músicas dos três primeiros álbuns do Angra, pois elas possuíam uma afinação muito aguda, o que estava fazendo mal para sua voz. Ou seja, tudo é uma grande porcaria.

Acho que o Angra deveria acabar. Eles já estão com seus nomes gravados para sempre na história do Heavy Metal Nacional. Gravaram alguns discos obrigatórios para todos que gostam deste tipo de música e seria muito mais honrado darem um fim agora que todo mundo os vê de maneira positiva do que ficar tendo ataque de estrelismo e continuarem fazendo uma música medíocre. É uma pena, pois ainda me lembro dos bons tempos do álbum Holy Land e sentirei falta daquela energia. Mas, a vida continua.

Ah, todo mundo diz que fico pegando no pé do Kamelot. Claro, eu que devo estar errado, afinal de contas a mídia especializada fica babando no ovo da banda e falando maravilhas de seus últimos discos. Juro para vocês que tentei ser camarada. Comprei o último disco do quinteto, o Poetry for the Poisonet, e ouvi-o dezenas de vezes a procura de toda a genialidade que a maioria dos sites especializados em Heavy Metal apontam. Infelizmente não consegui ver nada.

Mas, sinceramente, a culpa deve ser minha. Eu gostava muito do Kamelot enquanto eles faziam o feijão com arroz do heavy metal melódico. Talvez eu seja muito conservador e não consiga engolir facilmente as grandes mudanças de paradigmas musicais. Esse deve ser o mesmo motivo que me levaram a não gostar muito dos últimos trabalhos do Blind Guardian (assunto para um próximo texto). Minha relação de amor com a banda começou com o álbum The Fourth Legacy (1999) e terminou com o disco Epica (2003), um trabalho conceitual que está entre os mais bacanas que já fizeram com a classificação de heavy metal. O que veio depois foi modernoso e sem sal em minha opinião. Mas, todo mundo gostou.

Este Poetry for the Poisonet chega com um gostinho amargo de fim de uma Era. Parece que o vocalista da banda Roy Khan, pulou fora do barco por motivos religiosos. Deve ter enjoado de ganhar dinheiro. A arte da capa é fantástica. Um desenho caprichado e com arte finalização de primeiro mundo. Só isso já da vontade de ter o disco na sua coleção. Junto a isso temos a participação de grandes nomes da música mundial como Simone Simons, Amanda Somerville, Jon Oliva, Björn (?!?) e Gus G. E, finalizando a receita de bolo do disco, um final conceitual com uma música em quatro partes. Tudo completo para um ótimo trabalho.

A banda está afiada, todo mundo sabe muito bem o que está fazendo e o vocaliza, embora com uma voz grave, pode ser considerado um dos grandes do metal melódico. Infelizmente as músicas não decolam, fica tudo parado em uma zona cinza. Batidas mais modernas se mesclam a clichês do metal e não consigo ver um desenvolvimento natural das melodias. É um disco ruim? Não, mas você tem que se forçar a ouvi-lo novamente. Destaques ficam por conta de The Zodiac (meio esquisita, mas bacana), Poetry for the Poisoned, Pt. II: So Long (com a belíssima e talentosa Simone Simons), Once Upon a Time (a que chega mais perto do estilo antigo da banda) e If Tomorrow Came (pesada e arrastada ao mesmo tempo).

Mais um disquinho para a coleção. Agora é só esperar o que o futuro vai reservar para a banda.

Não se enganem aqueles que acham que sou mais um detrator da imagem do Iron Maiden. Sou um grande fã do grupo inglês e tenho quase tudo que eles lançaram em CD e DVD em terras nacionais. Até os discos ao vivo e as coletâneas, que não passam de caça níqueis. Mas, sou obrigado a ser crítico quanto ao que entra em meu aparelho de som e com as atitudes da banda. Dirigi-me até a loja de CDs da cidade para comprar a nova coletânea da banda Fron Fear to Eternity the best of 1990-2010 e voltei para casa sem o disco. Não porque estava caro, mas porque achei uma grande sacanagem que todos as músicas da Era Blaze Bayley serem cantadas ao vivo por Bruce Dickinson. Estou farto dessa galera que acha o senhor Dickinson um Deus. Aliás, nenhum disco lançado depois de sua volta ao Iron Maiden realmente foram magníficos. A banda nunca conseguiu atingir o mesmo nível de qualidade da década de 80 e 90.

O mesmo pecado foi cometido com o primeiro disco coletânea, o Somewhere Back in Time – The best of 1980-1989, onde não temos a participação do primeiro vocalista da banda, Paul Di’Anno, que gravou dois discos totalmente obrigatórios para todos os fãs. Lógico que pode haver aqui um grande problema de direitos autorais para o uso dessas faixas, mas acredito que o lance seja pessoal mesmo. Temos que parar com essa onda de que tudo que eles fazem é perfeito e que o vocalista é o máximo. Adoro ir a um Show do Maiden, mas faz muitos anos que eles não são mais uma das maravilhas sobre Terra. Ouvindo o primeiro disco ao vivo da Donzela, o magnífico Live after Death, encontramos uma banda que está em sua melhor forma. Todos são unânimes em afirmar que o que ouvimos no disco não tem nenhum retoque e que o som que sai das caixas é absolutamente o que aconteceu no estádio.

Sendo assim, ao ouvir os dois discos que marcaram a saída de Bruce em 1992 (A Real Live One e A Real Dead One) chegamos à conclusão que a banda simplesmente apodreceu. O mesmo pode ser dito do que veio depois, como o Rock in Rio e o Flight 666. Só existem três explicações para o que encontramos nestes três discos. A primeira é que a banda envelheceu e não consegue mais executar um som de qualidade e com fidelidade ao vivo. A segunda explicação é que eles estão escolhendo os piores produtores do mundo e que não possuem a mínima noção de como gravar um disco de heavy metal. A terceira é que a banda não esta nem ai mais para o que fazem ao vivo. Se eles subirem no palco e ficarem contando piada todo mundo vai adorar. Eu, sinceramente, acho que é uma mistura dos três pontos.

Hoje é Dia Mundial do Rock. Dia de lembrar o estilo musical mais apaixonante do mundo e de doar sangue, claro. Mas, tanto lembrar do Rock quanto doar sangue deveriam ser atividades rotineiras em nossas vidas, e não apenas em um dia do ano. Já cheguei a fazer grandes especiais aqui no blog nessa data, mas hoje resolvei lembrar de um disco que não é novo, mas que foi uma das grandes injustiças do mundo do Heavy Metal. Talvez um dos grandes exemplos da intolerância e falta de visão dos fãs desse estilo.

Em 1992 uma bomba caiu no meio musical pesado. Bruce Dickinson havia noticiado que sairia do Iron Maiden para dar continuidade a sua carreira solo. Talvez estivesse animado com a repercussão de seu primeiro disco, intitulado Tatooed Millionaire e que foi lançado em 1990. O disco é divertido, mas é só isso. Nenhuma grande inovação no estilo. Porém, a confusão estava lançada. Como encarar a banda sem o vocalista que muitos consideravam o melhor do Heavy Metal? Nesse ponto o evento foi utilizado para ganhar uma grana violenta encima dos fãs. Uma mega turnê de despedida foi agendada e dela tivemos dois discos ao vivo (A Real Live One e A Real Death One) e que no futuro foram vendidos como CD duplo (sim, isso ainda era na época em que o vinil era mais vendido por aqui). Finalmente Bruce deu adeus e ninguém sabia o que iria acontecer com a Donzela de Ferro.

Foi nesse momento que alguém teve a brilhante idéia de fazer um concurso para escolher o novo vocalista da banda. Quem estivesse interessado em concorrer era só mandar uma fita demo (quem lembra disso levanta a mão) para o empresário da banda e participar da seleção. Até o André Matos, na época vocalista do Angra, participou desse rocambole. Mais uma grande forma de conseguir publicidade para o grupo. Depois de muito esperar foi anunciado que o novo vocalista da banda inglesa seria Blaze Bayley, que cantava na banda Wolfsbane. Para nós que moramos no hemisfério sul a única pergunta que passava por nossas cabeças era: Quem? Isso mesmo. Para mim ele era um ilustre desconhecido e não tínhamos internet para ficar procurando pelas músicas de sua antiga banda. Restava-nos esperar.

Em 1995, três anos depois do anúncio da despedida de Bruce, chegava as prateleiras do mundo inteiro o disco The X Factor, o primeiro da banda com o novo vocalista. O legal é que esse disco foi o primeiro que comprei em CD em minha vida, já que o vinil não foi vendido aqui em minha cidade. Tive que comprar um aparelho de CD player rapidamente para poder ouvir o novo disco. A curiosidade me matava. Cabe aqui uma pequena explicação. Fãs de Iron Maiden são os mais raivosos, fanáticos e intransigentes do mundo do heavy metal. Chega a ser quase ignorância. Óbvio que odiei o álbum. Achava tudo muito devagar, a voz do vocalista uma porcaria e o timbre da guitarra muito esquisito. Eu e milhares de pessoas ao redor do mundo queríamos a volta de Bruce Dickinson. Queríamos continuar ouvindo o mesmo som sem mudanças e com a mesma cadência dos últimos 10 anos. Tantas foram as reclamações que a banda chutou o vocalista alguns anos depois e implorou para Bruce voltar. Esse aceitou já que não conseguiu sozinho produzir muita coisa que fosse relevante (para os mais esquentadinhos eu afirmo novamente que a carreira solo de Bruce produziu dois discos bacaninhas e a Tears of the Dragon).

Hoje, 16 anos depois, com uma bagagem maior de influências musicais e com um conhecimento mais detalhado do que é música de qualidade, posso afirmar que o The X Factor foi o disco mais injustiçado da história e que Blaze Bayley é um grande vocalista, dentro de seu estilo e respeitando suas limitações. Estou ouvindo o disco agora. As músicas são mais lentas, com um clima mais sombrio. A grande diferença, em relação aos discos anteriores da banda, é que a sonoridade das guitarras está mais grave do que aguda e o baixo está muito mais presente e relevante. Nada de cavalgadas, mas uma cadência que leva as músicas para o lugar certo. A obra é a prova de amadurecimento e a chegada da banda à idade adulta. Acima de tudo, foi um disco construído para as possibilidades do novo vocalista. Nada de gritos agudos ou batidas muito rápidas. Um disco perfeito. Arrisco a dizer que esse foi o último disco feito pela banda que todos gostávamos. O último exemplo de genialidade do Iron Maiden. O resto que veio depois é música para agradar as massas. Musicas feitas com receitinha de bolo.

Se você é um fã recente da banda, sugiro procurar esse disco. Sei que não é tão fácil de achar quanto os outros títulos do Iron Maiden, mas vale a pena. Acima de tudo, abandone a fé cega e religiosa de que Bruce Dickinson é o melhor do universo, pois não é, e abra a mente para o que foi produzido nesse disco. Não o classifique apenas como mais um disco da Donzela de Ferro e sim como um disco de música de qualidade. Você vai ser mais feliz desse jeito.