No penúltimo disco da banda, o bacana The Heart of Everything (2007), algo já estava acontecendo. O disco estava mais pesado, os vocais mais tradicionais e quase toda a carga de emoção e clima onírico havia desaparecido. Juro que foi uma das poucas vezes que me assustei com a mudança drastica de uma banda. Depois disso veio um disco acústico (An Acoustic Night at the Theatre) onde existia uma música bônus chamada Utopia. A música é muito legal, mas é totalmente diferente de tudo que a banda já havia feito. Um primeiro alarme já tocou em minha mente com o aviso de que o Within Temptation estava no mesmo caminho que havia destruído várias ótimas bandas europeias: a americanização de sua música.

Sim meus amigos. O mercado americano é o mais forte do mundo, e para entrar lá a sua música tem que seguir os moldes do país ianque. Nightwish e Lacuna Coil passaram por isso e eu simplesmente abandonei as bandas. Agora pode ser a vez no Within Temptation. O novo disco lançado em 2011, The Unforgiving, pode ser definido secamente com apenas uma palavra. Ele é POP. As guitarras desapareceram, varias batidas eletrônicas foram adicionadas, a voz de Sharon den Adel está esganiçada e as músicas estão com refrãos bem comerciais, daqueles que não desgrudam de sua cabeça. Isso torna o disco ruim? Claro que não, mas eu consumia o Within Temptation por causa do diferencial. Se eles vão soar como qualquer outra banda americana com vocal feminino então não preciso mais comprar os seus discos. Aliás, este é um fenômeno interessante. Toda essa onda de metal e rock pesado com vocal feminino começou na Europa. Depois apareceu o Evanescence sem nenhum tipo de novidade e vendeu milhões de cópias. Agora todas as bandas que foram pioneiras querem parecer com o Evanescence. Vai entender.

O disco possui 12 músicas que, do ponto de vista da composição, são muito parecidas. A bateria e o teclado se destacam muito, deixando a guitarra fica em segundo plano. O contrabaixo, como de costume, é praticamente inaudível. Uma nova característica aqui é a maior quantidade de solos de guitarra no meio das músicas. Nos discos anteriores isso era mais raro. Destaques óbvios são a segunda música Shot In The Dark que começa com uma batidinha eletrônica irritante, mas depois melhora muito. Em seguida temos a pedrada In The Middle Of The Night que faz você cantar junto o refrão. Também temos Faster, a música que se tornou vídeo clipe deste disco. Porém, a música mais comercial, e ao mesmo tempo a mais rápida do disco, é Iron onde podemos destacar um ótimo trabalho da bateria. Logo depois temos a música Sine�ad que poderia muito bem ter sido gravada pela Avril Lavigne. Sério mesmo, pode tocar em qualquer FM do Brasil sem problema. Finalizando a seleção te melhores músicas temos Lost que é uma última suspiro de sobrevivência do antigo estilo da banda. Está é, com certeza, a melhor música do disco.

Embora seja um disco comercial ao extremo e não lembre absolutamente em nada o estilo que tornou a banca famosa, este disco não pode ser classificado como ruim. Dentro de sua proposta ele é bem sucedido. Já vi muita resenha pela internet babando o ovo sobre a produção, mas a maioria é de moleques que devem ter começado a ouvir rock com o Evanescence e outras bandas americanas. Ai fica fácil gostar do disco.

Alguns meses atrás tomei coragem e comprei os dois últimos discos lançados pelo projeto. Eles chegaram ao mercado no mesmo dia e dão continuidade à saga iniciada no disco Scarecrow, o mais fraco de toda a carreira da banda. O primeiro disco, The Wicked Symphony é uma boa amostra de como fazer Heavy Metal com competência. Músicas bacanas, refrãos grudentos e convidados bacanas. Porém, neste segundo disco, Angel of Babylon, as coisas não funcionam tão bem assim. E isso é muito esquisito, pois os dois discos foram feitos juntos e lançados juntos, porém, mostram um direcionamento muito diferente.

Não digo necessariamente que é um disco ruim, mas as músicas não decolam. Você não tem vontade de sair cantando as músicas ou mesmo de colocar o disco novamente no aparelho de som. E olha que entre os instrumentistas temos gente no calibre de Bruce Kulick, Eric Singer, Henjo Richter, Jens Johansson e Alex Holzwarth. Entre os vocalistas, a surpresa mais bem vinda é a presença mais uma vez do mestre Michael Kiske e do capitão do Savatage o grande Jon Oliva. Também temos Jørn Lande, Russell Allen e Bob Catley.

A estrutura das músicas é aquela já conhecida dos fãs do Avantasia. Duas músicas longas e nove dentro dos padrões normais. Por mais contraditório que pareça, a música que mais gostei foi uma baladinha simpática que possui muita emoção e uma melodia cativante. Blowing Out the Flame é uma canção que poderia estar tranquilamente em qualquer coletânea de baladas metal. Fora isso, temos o destaque de Stargazers, Rat Race, Journey to Arcadia e Alone I Remember. Outro destaque interessante é a capa bem desenhada e que consegue capturar de maneira competente o espírito de um disco de Metal. Ouso dizer que é a capa mais bacana de um disco do Avantasia.

O disco não é uma maravilha, mas compensa comprar a versão especial com os dois álbuns. E esperemos que Tobias Sammet tenha mais inspiração para os próximos lançamentos.

Entre os discos que mais estão rolando aqui em casa está o lançamento de 1986, A Kind of Magic. Não é o disco mais pesado do grupo. O Queen já se encontrava em sua fase mais Pop, mas isso não quer dizer uma queda de qualidade. Temos que parar de associar a palavra Pop com coisa ruim. É apenas mais uma vertente musical. Tem coisas legais e outras nem tanto. O disco abre com a poderosa One Vision e logo depois pela música título A Kind of Magic. A banda considera que estas duas músicas são uma criação coletiva de todo o grupo, aproveitando o clima positivo que tiveram logo após o festival Live Aid. Uma curiosidade interessante é que este foi primeiro disco do Queen em que o título do álbum também era uma das músicas. Outro lance bacana é que o disco foi considerado a trilha sonora oficial do filme Highlander.

Na terceira música temos a balada One Year of love, que foi escrita por John Deacon e mostra o lado mais romântico da banda. Em seguida temos Pain is so Close to Pleasure, que nos mostra aquelas batidas estranhas que o Queen gostava de introduzir em algumas de suas canções. Em seguida temos Friends Will be Friends, uma das músicas que mais me tocam neste disco. Além da letra muito legal, está é uma das últimas músicas do Queen em que Mercury toca junto ao piano. Freddie sempre valorizou a amizade em suas canções, e está é mais um exemplo. A próxima música, Who Wants to Live Forever é um clássico absoluto e fatalmente conhecida por todos que viveram os anos 80. Foi o tema romântico do filme Highlander e a única música do Queen que é lembrada por todos neste filme. Mas, quase todas as canções de A Kind of Magic tiveram uma pequena participação no filme.

Logo depois temos duas músicas enigmáticas. Gimme the Prize é pesada e caótica em algumas passagens. Muito diferente das outras canções do disco. Ela foi o tema do vilão do filme, Kurgan, e em alguns momentos é possível ouvir algumas frases dos personagens ditas no filme. Procurem pelas eternizadas “I have something to say: It’s better to burn out than to fade away” de Kurgan ou ”There can be only one” de MacLeod. Uma verdadeira viagem cinematográfica. Já a próxima música, Dont Lose your Head (indicação melhor que está para o filme não existe), é a música mais datada do disco e a única que você não vai lembrar quando tentar elencar as melhores músicas do Queen.

E finalmente, temos a melhor música do disco. Princes of the Universe é um trabalho magnífico. É a única música do disco creditada somente a Freddie Mercury e se mostra um trabalho complexo e, por incrível que pareça, muito pesado. Faz muita bandinha iniciante de Heavy Metal  (e até algumas mais experientes) parecerem menininhas assustadas. O clipe da música, que só descobri recentemente, mostra várias cenas do filme e, em um momento, Mercury cruza espadas com MacLeod. Uma música para ouvir várias vezes seguidas e que vai trazer lágrimas a seus olhos.

São apenas nove músicas com pouco mais de 40 minutos de duração. Estamos falando de uma época em que a quantidade de músicas influenciava diretamente na qualidade sonora do disco. Duas curiosidades sobre o disco é que ele foi um grande sucesso na Inglaterra ficando em 1º lugar nas paradas por diversas semanas, mas nos Estados Unidos teve uma recepção apenas morna. Este foi o último disco que contou com uma turnê mundial do Queen por conta da doença de Freddie Mercury e sua debilitação física.

Se você não tem essa preciosidade então corra e compre. É relativamente fácil encontrar todos os discos da banda.

Durante a Virada Cultural Paulista deste ano, o Angra se apresentou aqui em Presidente Prudente. Eu voltava a ver a banda depois de 10 anos. Tinha assistido o show da turnê do álbum Rebirth e tinha ficado impressionado. Eu era um dos fãs que não ficaram muito felizes com a saída de André Matos, um dos grandes vocalistas do metal nacional. Porém, o disco novo era muito legal e Edu Falaschi se mostrou um bom substituto. O vocal era diferente, mas com igual qualidade. O show que assisti neste ano não tinha nada ha ver com o do passado. Estavam divulgando o apenas mediano disco Acqua e a apresentação foi burocrática, sem muita inspiração e o som estava igualmente horrível. Talvez problemas técnicos estejam perseguindo os meninos.

Antes do show do Rock and Rio o próprio Edu Falaschi já tinha feito algumas declarações ácidas a respeito da banda indicando que estava cansado de apenas tocar por dinheiro, que estava faltando espírito para a banda. Qualquer um que entende um pouco de música já tinha notado que a coisa estava caminhando ladeira a baixo. Depois do show vários sites já tinham decretado o fim do grupo, mas os membros reagiram com certa violência nas declarações afirmando que o Angra não iria acabar. Porém, o vocalista contra atacou dizendo que estava entrando em um período de descanso por tempo indeterminado e que não voltaria a cantar as músicas dos três primeiros álbuns do Angra, pois elas possuíam uma afinação muito aguda, o que estava fazendo mal para sua voz. Ou seja, tudo é uma grande porcaria.

Acho que o Angra deveria acabar. Eles já estão com seus nomes gravados para sempre na história do Heavy Metal Nacional. Gravaram alguns discos obrigatórios para todos que gostam deste tipo de música e seria muito mais honrado darem um fim agora que todo mundo os vê de maneira positiva do que ficar tendo ataque de estrelismo e continuarem fazendo uma música medíocre. É uma pena, pois ainda me lembro dos bons tempos do álbum Holy Land e sentirei falta daquela energia. Mas, a vida continua.

Mas, sinceramente, a culpa deve ser minha. Eu gostava muito do Kamelot enquanto eles faziam o feijão com arroz do heavy metal melódico. Talvez eu seja muito conservador e não consiga engolir facilmente as grandes mudanças de paradigmas musicais. Esse deve ser o mesmo motivo que me levaram a não gostar muito dos últimos trabalhos do Blind Guardian (assunto para um próximo texto). Minha relação de amor com a banda começou com o álbum The Fourth Legacy (1999) e terminou com o disco Epica (2003), um trabalho conceitual que está entre os mais bacanas que já fizeram com a classificação de heavy metal. O que veio depois foi modernoso e sem sal em minha opinião. Mas, todo mundo gostou.

Este Poetry for the Poisonet chega com um gostinho amargo de fim de uma Era. Parece que o vocalista da banda Roy Khan, pulou fora do barco por motivos religiosos. Deve ter enjoado de ganhar dinheiro. A arte da capa é fantástica. Um desenho caprichado e com arte finalização de primeiro mundo. Só isso já da vontade de ter o disco na sua coleção. Junto a isso temos a participação de grandes nomes da música mundial como Simone Simons, Amanda Somerville, Jon Oliva, Björn (?!?) e Gus G. E, finalizando a receita de bolo do disco, um final conceitual com uma música em quatro partes. Tudo completo para um ótimo trabalho.

A banda está afiada, todo mundo sabe muito bem o que está fazendo e o vocaliza, embora com uma voz grave, pode ser considerado um dos grandes do metal melódico. Infelizmente as músicas não decolam, fica tudo parado em uma zona cinza. Batidas mais modernas se mesclam a clichês do metal e não consigo ver um desenvolvimento natural das melodias. É um disco ruim? Não, mas você tem que se forçar a ouvi-lo novamente. Destaques ficam por conta de The Zodiac (meio esquisita, mas bacana), Poetry for the Poisoned, Pt. II: So Long (com a belíssima e talentosa Simone Simons), Once Upon a Time (a que chega mais perto do estilo antigo da banda) e If Tomorrow Came (pesada e arrastada ao mesmo tempo).

Mais um disquinho para a coleção. Agora é só esperar o que o futuro vai reservar para a banda.

Estava andando pela loja de CDs que costumo freqüentar e me deparei com uma obra nova que acabara de chegar. O CD se chamava Viva Elvis e óbvio que se tratava de uma compilação de músicas do Rei do Rock. Neste momento me flagelei mentalmente admitindo que não tinha nunca comprado um CD de Elvis Presley. Possuía apenas um conjunto de faixas em MP3. Me encolhendo em minha vergonha peguei o disco e corri para o caixa.

Chegando em casa fui ouvir a bolachinha e notei algo de errado. A coisa toda estava parecendo um grande remix das obras do mestre e, antes de gritar por heresia e sair com tochas e cães procurando os autores da barbaridade, fui até o Deus Google (aquele que tudo sabe) e fiz uma pequena pesquisa sobre o título. Na verdade, Viva Elvis é a sonorização de um espetáculo organizado e encenado pelo Cirque du Soleil sobre a vida do cantor. As faixas foram remixadas, alguns artistas foram incluídos em algumas músicas e também podemos ver trechos de entrevistas, diálogos gravados em estúdio e dos filmes de Elvis Preley.

No próprio encarte do disco podemos ver no texto a intenção de fazer uma homenagem ao maior artista que o rock já viu e também de fazer experiências sobre como seriam algumas das músicas gravadas por ele nos dias de hoje. Tirando a pequena arrogância de tentar reescrever músicas que já são perfeitas, o disco até que funciona bem. São apenas 40 minutos com faixas animadas e com boa qualidade. O efeito mais interessante do disco é fazer você correr atrás dos discos originais do Rei.

Destaques mais evidentes da obra são Suspicious Minds, Bossa Nova Baby, Heartbreak Hotel, Blue Suede Shoes e uma belíssima versão para Love Me Tender. No geral um disco bacana. Vale a pena ter em casa.

Vejam abaixo um pequeno exemplo do espetáculo. Eu gostaria de ver isso ao vivo.

“Este álbum é dedicado a Ma Rainey, Mãe do Blues. Obrigado pelo seu trabalho e estilo, e para todos os artistas de Blues no início que viajaram através da encruzilhada, mala nas mãos, para Memphis. Sua música e espírito ainda podem ser sentidos até hoje … muito respeito.”

Não sei vocês, mas esse é o tipo de coisa que faz um arrepio percorrer minha espinha. Ma Rainey foi a primeira cantora profissional de Blues dos Estados Unidos e ajudou a moldar o estilo que conhecemos hoje. Ela viveu entre 1882 e 1939 e é influência declarada de muitos artistas que adoro. A referência a Memphis é porque a cidade foi o berço de grandes movimentos musicais dos Estados Unidos, como o Blues, o Rock and Roll e o Gospel (só coisa boa hein?). Com toda essa história e os personagens envolvidos, o disco possuía tudo para ser um estouro. E foi.

Minha principal referência de Cindy Lauper é a música tema do filme Os Goonies. Depois de um grande estouro nos anos de 1980 ela ficou limitada ao território americano nos lançamentos da década de 1990 e anos 2000. Em 2009 ela anunciou no twitter que gravaria um disco de Blues e em junho de 2010 esse Memphis Blues chegou às prateleiras.

Junto com Cindy encontramos no disco participações mais que especiais de B.B. King, Allen Toussaint, Clarlie Musselwhite, Ann Peebles, Leo Gondelman e Jonny Lang. A banda que acompanha a moça está afiadíssima e temos várias ótimas performances de guitarra, piano e gaita. Cabe lembrar que o Blues do Mississipe é um pouco mais lento, mais depressivo, porém perfeito para curtir uma noite calma em sua sala de música.

Você demora um pouco para se acostumar com o desempenho vocal de Cindy Lauper, afinal de contas ela possui um timbre de voz muito mais agudo do que seria o normal nesse tipo de música, mas na segunda audição você já não liga mais para isso. Destaques inegáveis da produção são Just Your Fool, Romance in the Dark (muito triste), Crossroads e I Don’t Want to Cry. Para nós que vivemos aqui no Hemisfério Sul e que não temos muito acesso ao que acontece no meio musical americano (pelo menos ao que não é produzido para ser consumido mundialmente) podemos pensar que esse foi apenas mais uma tentativa da cantora de ganhar uns trocos, mas o disco teve um ótimo impacto e rendeu algumas boas repercussões:

“Memphis Blues” debutou em #26 na Billboard 200, vendendo 15.353 cópias na semana de lançamento e conquistando a terceira melhor posição da carreira de Lauper. O álbum é considerado um sucesso para o gênero, pois ficou 14 semanas em primeiro lugar na parada de blues da Billboard e suas vendas já ultrapassaram 600 mil cópias, sendo 10 mil destas no Brasil.Além disso, 7 canções do álbum entraram de uma só vez no Top 25 Billboards Blues Digital Songs, incluindo Crossroads em 1º lugar.

Cabe também destacar a ótima produção fotográfica do álbum, uma marca registrada da cantora. Belas fotos e figurinos inspirados. Eu recomendo.

Em 1992 uma bomba caiu no meio musical pesado. Bruce Dickinson havia noticiado que sairia do Iron Maiden para dar continuidade a sua carreira solo. Talvez estivesse animado com a repercussão de seu primeiro disco, intitulado Tatooed Millionaire e que foi lançado em 1990. O disco é divertido, mas é só isso. Nenhuma grande inovação no estilo. Porém, a confusão estava lançada. Como encarar a banda sem o vocalista que muitos consideravam o melhor do Heavy Metal? Nesse ponto o evento foi utilizado para ganhar uma grana violenta encima dos fãs. Uma mega turnê de despedida foi agendada e dela tivemos dois discos ao vivo (A Real Live One e A Real Death One) e que no futuro foram vendidos como CD duplo (sim, isso ainda era na época em que o vinil era mais vendido por aqui). Finalmente Bruce deu adeus e ninguém sabia o que iria acontecer com a Donzela de Ferro.

Foi nesse momento que alguém teve a brilhante idéia de fazer um concurso para escolher o novo vocalista da banda. Quem estivesse interessado em concorrer era só mandar uma fita demo (quem lembra disso levanta a mão) para o empresário da banda e participar da seleção. Até o André Matos, na época vocalista do Angra, participou desse rocambole. Mais uma grande forma de conseguir publicidade para o grupo. Depois de muito esperar foi anunciado que o novo vocalista da banda inglesa seria Blaze Bayley, que cantava na banda Wolfsbane. Para nós que moramos no hemisfério sul a única pergunta que passava por nossas cabeças era: Quem? Isso mesmo. Para mim ele era um ilustre desconhecido e não tínhamos internet para ficar procurando pelas músicas de sua antiga banda. Restava-nos esperar.

Em 1995, três anos depois do anúncio da despedida de Bruce, chegava as prateleiras do mundo inteiro o disco The X Factor, o primeiro da banda com o novo vocalista. O legal é que esse disco foi o primeiro que comprei em CD em minha vida, já que o vinil não foi vendido aqui em minha cidade. Tive que comprar um aparelho de CD player rapidamente para poder ouvir o novo disco. A curiosidade me matava. Cabe aqui uma pequena explicação. Fãs de Iron Maiden são os mais raivosos, fanáticos e intransigentes do mundo do heavy metal. Chega a ser quase ignorância. Óbvio que odiei o álbum. Achava tudo muito devagar, a voz do vocalista uma porcaria e o timbre da guitarra muito esquisito. Eu e milhares de pessoas ao redor do mundo queríamos a volta de Bruce Dickinson. Queríamos continuar ouvindo o mesmo som sem mudanças e com a mesma cadência dos últimos 10 anos. Tantas foram as reclamações que a banda chutou o vocalista alguns anos depois e implorou para Bruce voltar. Esse aceitou já que não conseguiu sozinho produzir muita coisa que fosse relevante (para os mais esquentadinhos eu afirmo novamente que a carreira solo de Bruce produziu dois discos bacaninhas e a Tears of the Dragon).

Hoje, 16 anos depois, com uma bagagem maior de influências musicais e com um conhecimento mais detalhado do que é música de qualidade, posso afirmar que o The X Factor foi o disco mais injustiçado da história e que Blaze Bayley é um grande vocalista, dentro de seu estilo e respeitando suas limitações. Estou ouvindo o disco agora. As músicas são mais lentas, com um clima mais sombrio. A grande diferença, em relação aos discos anteriores da banda, é que a sonoridade das guitarras está mais grave do que aguda e o baixo está muito mais presente e relevante. Nada de cavalgadas, mas uma cadência que leva as músicas para o lugar certo. A obra é a prova de amadurecimento e a chegada da banda à idade adulta. Acima de tudo, foi um disco construído para as possibilidades do novo vocalista. Nada de gritos agudos ou batidas muito rápidas. Um disco perfeito. Arrisco a dizer que esse foi o último disco feito pela banda que todos gostávamos. O último exemplo de genialidade do Iron Maiden. O resto que veio depois é música para agradar as massas. Musicas feitas com receitinha de bolo.

Se você é um fã recente da banda, sugiro procurar esse disco. Sei que não é tão fácil de achar quanto os outros títulos do Iron Maiden, mas vale a pena. Acima de tudo, abandone a fé cega e religiosa de que Bruce Dickinson é o melhor do universo, pois não é, e abra a mente para o que foi produzido nesse disco. Não o classifique apenas como mais um disco da Donzela de Ferro e sim como um disco de música de qualidade. Você vai ser mais feliz desse jeito.

Para falar a verdade, eu fui um fã ignorante e radical até os meus 18 anos de idade. Todos meus amigos gostavam do mesmo tipo de música que eu e o que estava fora disso não prestava. Para ter noção de como isso era grave eu não gostava de Queen. Achava uma banda POP boba. Olha só o tamanho do meu pecado. Mas, ao entrar na faculdade tudo isso foi mudando gradativamente. Tornei-me amigo de pessoas que possuíam outros estilos musicais como preferência e fui notando que existe vida inteligente fora do Heavy Metal. E com isso fui adquirindo outras informações, influências e descobrindo outros gêneros musicais. Hoje não tenho vergonha disso, e mais, tento abrir a mente dos ignorantes.

Nessa semana estava esperando o inicio de uma sessão de cinema e dei uma passada nas Lojas Americanas do Shopping. Sempre evito entrar porque sei da existência de promoções de CDs e DVDs e gastar está sendo uma coisa penosa para mim. Mas, acabei não resistindo e comprei quatro CDs na banca de R$ 9,90. Ai que entra a coisa estranha. Nenhum deles tem a ver com o estilo musical que gosto preferencialmente, mas todos possuem um apelo pop. O primeiro foi o álbum da Beyonce. Achei o disco duplo I Am… Sasha Fierce e o comprei apenas por conta da música Halo. Ela é um hit nos slideshows de fotos em festas de casamento. Só tinha o MP3 e decidi comprar o original. Pelo que entendi o CD1 do disco é apenas de baladinhas (todas legais) e o CD2 é o pop batidão que a cantora costuma fazer. Só estou ouvindo o CD1.

O segundo disco foi um ao vivo do Phil Collins intitulado Serious Hits… Live! e que foi lançado em 1990. Nunca acompanhei a carreira do rapaz e nem de sua antiga banda, o Genesis. Mas, há muito tempo queria comprar esse CD por conta de alguns clássicos do Pop dos anos de 1980. Aqui temos Against All Odds (Take a Look at me Now), One More Night e Another Day in Paradise. Música bacana para curtir uma noite de sábado em casa, principalmente no frio. O terceiro disco comprado é uma coletânea do Zé Ramalho. Isso mesmo amigos, um cara que não tem nada a ver com minhas preferências musicais mais estremas. Mas, tenho uma grande amiga que possui um disco acústico do cantor e algumas músicas são bem legais. Aqui temos Mistérios da Meia Noite, Avôhai, Batendo na Porta do Céu e a minha preferida, Taxi Lunar. O terceiro disco, se esses CDs fossem as trombetas do apocalipse esse último seria para destruir tudo. Comprei também uma coletânea do Roupa Nova, isso mesmo, dos maiores representantes do pop com açúcar do Brasil.Nem precisa explicar, pois muitas músicas estão em nosso código genético de tão executadas em rádios e novelas.

Quatro CDs bacaninhas por menos de R$ 50,00. Sei que não deveria gastar, mas não resisti. Divertimento garantido por alguns dias.

Agora, depois de assistir a um DVD ao vivo é que decidi dar mais uma chance ao grupo. Para minha surpresa existiam mais dois discos lançados depois de Scarecrow (terceiro disco) e que foram colocados no mercado de forma simultânea em abril de 2010. Como a grana anda curta, no momento comprei apenas um deles. Tenho agora em minhas mãos o disco The Wicked Symphony e digo que encontrei aqui momentos muito bacanas. A metodologia continua a mesma. Uma banda montada como espinha dorsal do projeto e uma quantidade enorme de convidados para dar vida à uma história conceitual.

De cara podemos notar que o Hard Rock continua presente, mas ele não é mais onipresente. Temos muito de Heavy Metal aqui e os próprios convidados especiais já demonstram essa orientação. Estão presentes Jørn Lande, Michael Kiske, Tim “Ripper” Owens, André Matos, Bruce Kulick e muitos outros. As músicas são rápidas e melódicas e com peso necessário para tornar o álbum um bom item em sua coleção de Heavy Metal.

Temos diversos destaques aqui, mas vou ficar em apenas duas músicas. A primeira é a música título com seus quase 10 minutos de duração e com muita melodia, intervenções de teclado e um refrão que gruda na cabeça e não sai mais. O segundo destaque é a música Scales of Justice onde temos a participação do ex-vocalista do Judas Priest, Tim “Ripper” Owens. Essa é, com certeza, a música mais bacana do disco todo. Ótima melodia, refrão grudento, mas ela é cantada com uma energia que beira a raiva. Muito legal. O rapaz é um ótimo vocalista. Foi mal aproveitado em sua antiga banda.

The Wicked Symphony é uma obra de arte? Não, mas vai te garantir um bom divertimento. Muito melhor que alguns lançamentos que tenho ouvido ultimamente.