Estávamos participando do Diálogo Interbacias de Educação Ambiental em Avaré (SP) e o Sr. Tinoco foi convidado para participar da mesa de abertura. Concordei com muita gente no momento de que não tinha uma relação entre a pessoa dele e um evento de Educação Ambiental, ainda mais participando na mesa de abertura. Mas, meus amigos, foi a apresentação mais divertida e envolvente que prestigiei em um evento desse porte. Foi a única vez que não vi os profissionais de educação abandonando a plenária antes do fim da palestra. Que fique a lição de nunca julgar uma pessoa pelas aparências. A coisa foi tão legal que até comprei um CD autografado do cantor, que estava sendo vendido em prol da construção de um Hospital do Câncer.

Mais um nome da cultura popular que se vai. Talvez não sinta falta da música, mas pessoas como ele sempre fazem falta para a humanidade.

Dave Mustaine fez parte das primeiras formações do Metallica. Infelizmente ele estava mais interessado em beber e arranjar encrencas do que fazer música com o grupo. Em um belo momento ele foi defenestrado da banda e, com um pouco de revolta, decidiu montar seu próprio grupo onde seria o Big Boss. Deste rolo todo é que nasceu o Megadeth. Os primeiros álbuns do grupo eu indico apenas para aqueles que realmente são fãs die hard do grupo, pois temos um monte de músicas emboladas, mal gravadas e com a voz de pato de Mustaine (sei que vou levar pedradas depois disso), mas em algum momento no final da década de 80 as coisas começaram a mudar.

Depois de lançar três álbuns Mustaine decidiu reformular a banda e seguir um direcionamento menos podre e mais ténico em seu trabalho. Foi nesse contexto que em 1990 a banda lançou o álbum Rust in Peace. Com uma capa bacaninha (utilizando o mascote da banda, o Vic Rattlehead) e nove músicas matadoras, o Megadeth entrou para a história. Não digo isso apenas porque o álbum é bom, mas porque ele é fenomenal. Foi a partir desta produção que passamos a prestar atenção nas intrincadas guitarras base de Mustaine. No heavy metal muitos dão atenção para o solo das guitarras, mas o Rust in Peace nos mostrou que a guitarra base pode ser tão ou mais criativa do que o solo.

O disco é composto por 9 faixas de grande qualidade, mas impossível não destacar 5 delas como grandes clássicos do Heavy Metal. O disco abre com a poderosa Holy Wars… The Punishment Due com uma introdução instrumental que gruda na cabeça, várias mudanças de ritmo e um tema que se mostra atual até hoje: a guerra santa. A música é longa, mas se tornou um vídeo clipe muito bacana. Em seguida temos a animada Hangar 18 que mostra uma levada contagiante e fala sobre experimentos com alienígenas na área 51. Uma boa mostra do que seria o Megadeth a partir deste álbum. Em seguida temos três músicas que são ótimas em mostrar o lado mais cru da banda, mas mesmo assim mantendo as características técnicas da nova fase que se iniciava. Elas são Take No Prisoner, Five Magics e Poison Was the Cure. Pancadaria da melhor qualidade.

Em seguida temos Lucretia, que provavelmente tem a letra mais alucinada de todo o disco. Seguindo a bolachinha, encontramos Tornado of Souls que é, simplesmente, a melhor música que o Megadeth já fez em toda sua carreira. Pode parecer um pouco de alucinação de minha parte, mas quem ainda não ouviu não sabe o que está perdendo. Muitos dizem que a letra é sobre o fim de um relacionamento de Mustaine, mas eu acredito que é sobre a própria condição humana, o mundo de regras em que vivemos e a contestação nata que encontramos no ser humano. Em seguida temos a bela e soturna Dawn Patrol com o baixo fulminante de David Ellefeson. Fechando a obra prima encontramos Rust in Peace… Polaris cujos três estrofes principais são contagiantes. O tema é a Guerra Nuclear e o ritmo da música é cheios de adrenalina e fazem qualquer fã de música pesada sair pulando pela casa.

Eu digo que este foi o primeiro disco sério do Megadeth. O primeiro de três discos que simplesmente moldaram o estilo da banda e foram responsáveis por levar o grupo ao mega estrelato. Os outros dois discos, Countdown to Extinction (1992) e Youthanasia (1994), são histórias para um outro texto. Rust in Peace foi gravado por Dave Mustaine (vocal, guitarra), Marty Friedman (guitarra), David Ellefson (baixo) e Nick Menza (bateria). No ano passado, Mustaine lançou uma versão remasterizada do disco. A capa é um pouco diferente e, infelizmente, algumas gravações originais do vocal foram perdidas, fazendo com que ele cantasse novamente nessas faixas. Lógico que ficou um pouco diferente do original. Muitos fãs reclamaram, mas eu acho um bom item de colecionador.

Launch the Polaris, the end doesn’t scare us
When will this cease
The warheads will all rust in peace

O Made in Brazil é uma das grandes bandas ocultas do rock nacional. Se você realmente gosta de rock e possuí o estilo correndo em suas veias, então a banda é sua conhecida e pode ser que você tenha um ou dois discos do grupo. Mas, se você curte apenas o que toca na rádio ou está em destaque na mídia, então eles são ilustres desconhecidos para você. Não é a primeira vez que eles tocam em Presidente Prudente, mas esta é a primeira vez que pude conferir o grupo ao vivo.

O show foi no Sesc e seguiu o mesmo roteiro de todas as apresentações musicais no local. Palco pequeno, pouco jogo de luz e o horário do show foi no finalzinho da tarde. Embora o público tenha sido razoável, achei que teria mais gente visto que a apresentação foi gratuita. Eles subiram ao palco e desfilaram uma quantidade gratificante do mais puro rock and roll e blus. Ótimo para passar uma tarde agradável ao som de boa música. Todos os músicos estavam ótimos em seu desempenho, mas gostaria de dar um destaque às duas lindas vocais de apoio que animaram muito a platéia e cantaram muito bem.

Vejam abaixo algumas imagens.

No penúltimo disco da banda, o bacana The Heart of Everything (2007), algo já estava acontecendo. O disco estava mais pesado, os vocais mais tradicionais e quase toda a carga de emoção e clima onírico havia desaparecido. Juro que foi uma das poucas vezes que me assustei com a mudança drastica de uma banda. Depois disso veio um disco acústico (An Acoustic Night at the Theatre) onde existia uma música bônus chamada Utopia. A música é muito legal, mas é totalmente diferente de tudo que a banda já havia feito. Um primeiro alarme já tocou em minha mente com o aviso de que o Within Temptation estava no mesmo caminho que havia destruído várias ótimas bandas europeias: a americanização de sua música.

Sim meus amigos. O mercado americano é o mais forte do mundo, e para entrar lá a sua música tem que seguir os moldes do país ianque. Nightwish e Lacuna Coil passaram por isso e eu simplesmente abandonei as bandas. Agora pode ser a vez no Within Temptation. O novo disco lançado em 2011, The Unforgiving, pode ser definido secamente com apenas uma palavra. Ele é POP. As guitarras desapareceram, varias batidas eletrônicas foram adicionadas, a voz de Sharon den Adel está esganiçada e as músicas estão com refrãos bem comerciais, daqueles que não desgrudam de sua cabeça. Isso torna o disco ruim? Claro que não, mas eu consumia o Within Temptation por causa do diferencial. Se eles vão soar como qualquer outra banda americana com vocal feminino então não preciso mais comprar os seus discos. Aliás, este é um fenômeno interessante. Toda essa onda de metal e rock pesado com vocal feminino começou na Europa. Depois apareceu o Evanescence sem nenhum tipo de novidade e vendeu milhões de cópias. Agora todas as bandas que foram pioneiras querem parecer com o Evanescence. Vai entender.

O disco possui 12 músicas que, do ponto de vista da composição, são muito parecidas. A bateria e o teclado se destacam muito, deixando a guitarra fica em segundo plano. O contrabaixo, como de costume, é praticamente inaudível. Uma nova característica aqui é a maior quantidade de solos de guitarra no meio das músicas. Nos discos anteriores isso era mais raro. Destaques óbvios são a segunda música Shot In The Dark que começa com uma batidinha eletrônica irritante, mas depois melhora muito. Em seguida temos a pedrada In The Middle Of The Night que faz você cantar junto o refrão. Também temos Faster, a música que se tornou vídeo clipe deste disco. Porém, a música mais comercial, e ao mesmo tempo a mais rápida do disco, é Iron onde podemos destacar um ótimo trabalho da bateria. Logo depois temos a música Sine�ad que poderia muito bem ter sido gravada pela Avril Lavigne. Sério mesmo, pode tocar em qualquer FM do Brasil sem problema. Finalizando a seleção te melhores músicas temos Lost que é uma última suspiro de sobrevivência do antigo estilo da banda. Está é, com certeza, a melhor música do disco.

Embora seja um disco comercial ao extremo e não lembre absolutamente em nada o estilo que tornou a banca famosa, este disco não pode ser classificado como ruim. Dentro de sua proposta ele é bem sucedido. Já vi muita resenha pela internet babando o ovo sobre a produção, mas a maioria é de moleques que devem ter começado a ouvir rock com o Evanescence e outras bandas americanas. Ai fica fácil gostar do disco.

Alguns meses atrás tomei coragem e comprei os dois últimos discos lançados pelo projeto. Eles chegaram ao mercado no mesmo dia e dão continuidade à saga iniciada no disco Scarecrow, o mais fraco de toda a carreira da banda. O primeiro disco, The Wicked Symphony é uma boa amostra de como fazer Heavy Metal com competência. Músicas bacanas, refrãos grudentos e convidados bacanas. Porém, neste segundo disco, Angel of Babylon, as coisas não funcionam tão bem assim. E isso é muito esquisito, pois os dois discos foram feitos juntos e lançados juntos, porém, mostram um direcionamento muito diferente.

Não digo necessariamente que é um disco ruim, mas as músicas não decolam. Você não tem vontade de sair cantando as músicas ou mesmo de colocar o disco novamente no aparelho de som. E olha que entre os instrumentistas temos gente no calibre de Bruce Kulick, Eric Singer, Henjo Richter, Jens Johansson e Alex Holzwarth. Entre os vocalistas, a surpresa mais bem vinda é a presença mais uma vez do mestre Michael Kiske e do capitão do Savatage o grande Jon Oliva. Também temos Jørn Lande, Russell Allen e Bob Catley.

A estrutura das músicas é aquela já conhecida dos fãs do Avantasia. Duas músicas longas e nove dentro dos padrões normais. Por mais contraditório que pareça, a música que mais gostei foi uma baladinha simpática que possui muita emoção e uma melodia cativante. Blowing Out the Flame é uma canção que poderia estar tranquilamente em qualquer coletânea de baladas metal. Fora isso, temos o destaque de Stargazers, Rat Race, Journey to Arcadia e Alone I Remember. Outro destaque interessante é a capa bem desenhada e que consegue capturar de maneira competente o espírito de um disco de Metal. Ouso dizer que é a capa mais bacana de um disco do Avantasia.

O disco não é uma maravilha, mas compensa comprar a versão especial com os dois álbuns. E esperemos que Tobias Sammet tenha mais inspiração para os próximos lançamentos.

Entre os discos que mais estão rolando aqui em casa está o lançamento de 1986, A Kind of Magic. Não é o disco mais pesado do grupo. O Queen já se encontrava em sua fase mais Pop, mas isso não quer dizer uma queda de qualidade. Temos que parar de associar a palavra Pop com coisa ruim. É apenas mais uma vertente musical. Tem coisas legais e outras nem tanto. O disco abre com a poderosa One Vision e logo depois pela música título A Kind of Magic. A banda considera que estas duas músicas são uma criação coletiva de todo o grupo, aproveitando o clima positivo que tiveram logo após o festival Live Aid. Uma curiosidade interessante é que este foi primeiro disco do Queen em que o título do álbum também era uma das músicas. Outro lance bacana é que o disco foi considerado a trilha sonora oficial do filme Highlander.

Na terceira música temos a balada One Year of love, que foi escrita por John Deacon e mostra o lado mais romântico da banda. Em seguida temos Pain is so Close to Pleasure, que nos mostra aquelas batidas estranhas que o Queen gostava de introduzir em algumas de suas canções. Em seguida temos Friends Will be Friends, uma das músicas que mais me tocam neste disco. Além da letra muito legal, está é uma das últimas músicas do Queen em que Mercury toca junto ao piano. Freddie sempre valorizou a amizade em suas canções, e está é mais um exemplo. A próxima música, Who Wants to Live Forever é um clássico absoluto e fatalmente conhecida por todos que viveram os anos 80. Foi o tema romântico do filme Highlander e a única música do Queen que é lembrada por todos neste filme. Mas, quase todas as canções de A Kind of Magic tiveram uma pequena participação no filme.

Logo depois temos duas músicas enigmáticas. Gimme the Prize é pesada e caótica em algumas passagens. Muito diferente das outras canções do disco. Ela foi o tema do vilão do filme, Kurgan, e em alguns momentos é possível ouvir algumas frases dos personagens ditas no filme. Procurem pelas eternizadas “I have something to say: It’s better to burn out than to fade away” de Kurgan ou ”There can be only one” de MacLeod. Uma verdadeira viagem cinematográfica. Já a próxima música, Dont Lose your Head (indicação melhor que está para o filme não existe), é a música mais datada do disco e a única que você não vai lembrar quando tentar elencar as melhores músicas do Queen.

E finalmente, temos a melhor música do disco. Princes of the Universe é um trabalho magnífico. É a única música do disco creditada somente a Freddie Mercury e se mostra um trabalho complexo e, por incrível que pareça, muito pesado. Faz muita bandinha iniciante de Heavy Metal  (e até algumas mais experientes) parecerem menininhas assustadas. O clipe da música, que só descobri recentemente, mostra várias cenas do filme e, em um momento, Mercury cruza espadas com MacLeod. Uma música para ouvir várias vezes seguidas e que vai trazer lágrimas a seus olhos.

São apenas nove músicas com pouco mais de 40 minutos de duração. Estamos falando de uma época em que a quantidade de músicas influenciava diretamente na qualidade sonora do disco. Duas curiosidades sobre o disco é que ele foi um grande sucesso na Inglaterra ficando em 1º lugar nas paradas por diversas semanas, mas nos Estados Unidos teve uma recepção apenas morna. Este foi o último disco que contou com uma turnê mundial do Queen por conta da doença de Freddie Mercury e sua debilitação física.

Se você não tem essa preciosidade então corra e compre. É relativamente fácil encontrar todos os discos da banda.

Durante a Virada Cultural Paulista deste ano, o Angra se apresentou aqui em Presidente Prudente. Eu voltava a ver a banda depois de 10 anos. Tinha assistido o show da turnê do álbum Rebirth e tinha ficado impressionado. Eu era um dos fãs que não ficaram muito felizes com a saída de André Matos, um dos grandes vocalistas do metal nacional. Porém, o disco novo era muito legal e Edu Falaschi se mostrou um bom substituto. O vocal era diferente, mas com igual qualidade. O show que assisti neste ano não tinha nada ha ver com o do passado. Estavam divulgando o apenas mediano disco Acqua e a apresentação foi burocrática, sem muita inspiração e o som estava igualmente horrível. Talvez problemas técnicos estejam perseguindo os meninos.

Antes do show do Rock and Rio o próprio Edu Falaschi já tinha feito algumas declarações ácidas a respeito da banda indicando que estava cansado de apenas tocar por dinheiro, que estava faltando espírito para a banda. Qualquer um que entende um pouco de música já tinha notado que a coisa estava caminhando ladeira a baixo. Depois do show vários sites já tinham decretado o fim do grupo, mas os membros reagiram com certa violência nas declarações afirmando que o Angra não iria acabar. Porém, o vocalista contra atacou dizendo que estava entrando em um período de descanso por tempo indeterminado e que não voltaria a cantar as músicas dos três primeiros álbuns do Angra, pois elas possuíam uma afinação muito aguda, o que estava fazendo mal para sua voz. Ou seja, tudo é uma grande porcaria.

Acho que o Angra deveria acabar. Eles já estão com seus nomes gravados para sempre na história do Heavy Metal Nacional. Gravaram alguns discos obrigatórios para todos que gostam deste tipo de música e seria muito mais honrado darem um fim agora que todo mundo os vê de maneira positiva do que ficar tendo ataque de estrelismo e continuarem fazendo uma música medíocre. É uma pena, pois ainda me lembro dos bons tempos do álbum Holy Land e sentirei falta daquela energia. Mas, a vida continua.

Mas, sinceramente, a culpa deve ser minha. Eu gostava muito do Kamelot enquanto eles faziam o feijão com arroz do heavy metal melódico. Talvez eu seja muito conservador e não consiga engolir facilmente as grandes mudanças de paradigmas musicais. Esse deve ser o mesmo motivo que me levaram a não gostar muito dos últimos trabalhos do Blind Guardian (assunto para um próximo texto). Minha relação de amor com a banda começou com o álbum The Fourth Legacy (1999) e terminou com o disco Epica (2003), um trabalho conceitual que está entre os mais bacanas que já fizeram com a classificação de heavy metal. O que veio depois foi modernoso e sem sal em minha opinião. Mas, todo mundo gostou.

Este Poetry for the Poisonet chega com um gostinho amargo de fim de uma Era. Parece que o vocalista da banda Roy Khan, pulou fora do barco por motivos religiosos. Deve ter enjoado de ganhar dinheiro. A arte da capa é fantástica. Um desenho caprichado e com arte finalização de primeiro mundo. Só isso já da vontade de ter o disco na sua coleção. Junto a isso temos a participação de grandes nomes da música mundial como Simone Simons, Amanda Somerville, Jon Oliva, Björn (?!?) e Gus G. E, finalizando a receita de bolo do disco, um final conceitual com uma música em quatro partes. Tudo completo para um ótimo trabalho.

A banda está afiada, todo mundo sabe muito bem o que está fazendo e o vocaliza, embora com uma voz grave, pode ser considerado um dos grandes do metal melódico. Infelizmente as músicas não decolam, fica tudo parado em uma zona cinza. Batidas mais modernas se mesclam a clichês do metal e não consigo ver um desenvolvimento natural das melodias. É um disco ruim? Não, mas você tem que se forçar a ouvi-lo novamente. Destaques ficam por conta de The Zodiac (meio esquisita, mas bacana), Poetry for the Poisoned, Pt. II: So Long (com a belíssima e talentosa Simone Simons), Once Upon a Time (a que chega mais perto do estilo antigo da banda) e If Tomorrow Came (pesada e arrastada ao mesmo tempo).

Mais um disquinho para a coleção. Agora é só esperar o que o futuro vai reservar para a banda.

Estava andando pela loja de CDs que costumo freqüentar e me deparei com uma obra nova que acabara de chegar. O CD se chamava Viva Elvis e óbvio que se tratava de uma compilação de músicas do Rei do Rock. Neste momento me flagelei mentalmente admitindo que não tinha nunca comprado um CD de Elvis Presley. Possuía apenas um conjunto de faixas em MP3. Me encolhendo em minha vergonha peguei o disco e corri para o caixa.

Chegando em casa fui ouvir a bolachinha e notei algo de errado. A coisa toda estava parecendo um grande remix das obras do mestre e, antes de gritar por heresia e sair com tochas e cães procurando os autores da barbaridade, fui até o Deus Google (aquele que tudo sabe) e fiz uma pequena pesquisa sobre o título. Na verdade, Viva Elvis é a sonorização de um espetáculo organizado e encenado pelo Cirque du Soleil sobre a vida do cantor. As faixas foram remixadas, alguns artistas foram incluídos em algumas músicas e também podemos ver trechos de entrevistas, diálogos gravados em estúdio e dos filmes de Elvis Preley.

No próprio encarte do disco podemos ver no texto a intenção de fazer uma homenagem ao maior artista que o rock já viu e também de fazer experiências sobre como seriam algumas das músicas gravadas por ele nos dias de hoje. Tirando a pequena arrogância de tentar reescrever músicas que já são perfeitas, o disco até que funciona bem. São apenas 40 minutos com faixas animadas e com boa qualidade. O efeito mais interessante do disco é fazer você correr atrás dos discos originais do Rei.

Destaques mais evidentes da obra são Suspicious Minds, Bossa Nova Baby, Heartbreak Hotel, Blue Suede Shoes e uma belíssima versão para Love Me Tender. No geral um disco bacana. Vale a pena ter em casa.

Vejam abaixo um pequeno exemplo do espetáculo. Eu gostaria de ver isso ao vivo.

“Este álbum é dedicado a Ma Rainey, Mãe do Blues. Obrigado pelo seu trabalho e estilo, e para todos os artistas de Blues no início que viajaram através da encruzilhada, mala nas mãos, para Memphis. Sua música e espírito ainda podem ser sentidos até hoje … muito respeito.”

Não sei vocês, mas esse é o tipo de coisa que faz um arrepio percorrer minha espinha. Ma Rainey foi a primeira cantora profissional de Blues dos Estados Unidos e ajudou a moldar o estilo que conhecemos hoje. Ela viveu entre 1882 e 1939 e é influência declarada de muitos artistas que adoro. A referência a Memphis é porque a cidade foi o berço de grandes movimentos musicais dos Estados Unidos, como o Blues, o Rock and Roll e o Gospel (só coisa boa hein?). Com toda essa história e os personagens envolvidos, o disco possuía tudo para ser um estouro. E foi.

Minha principal referência de Cindy Lauper é a música tema do filme Os Goonies. Depois de um grande estouro nos anos de 1980 ela ficou limitada ao território americano nos lançamentos da década de 1990 e anos 2000. Em 2009 ela anunciou no twitter que gravaria um disco de Blues e em junho de 2010 esse Memphis Blues chegou às prateleiras.

Junto com Cindy encontramos no disco participações mais que especiais de B.B. King, Allen Toussaint, Clarlie Musselwhite, Ann Peebles, Leo Gondelman e Jonny Lang. A banda que acompanha a moça está afiadíssima e temos várias ótimas performances de guitarra, piano e gaita. Cabe lembrar que o Blues do Mississipe é um pouco mais lento, mais depressivo, porém perfeito para curtir uma noite calma em sua sala de música.

Você demora um pouco para se acostumar com o desempenho vocal de Cindy Lauper, afinal de contas ela possui um timbre de voz muito mais agudo do que seria o normal nesse tipo de música, mas na segunda audição você já não liga mais para isso. Destaques inegáveis da produção são Just Your Fool, Romance in the Dark (muito triste), Crossroads e I Don’t Want to Cry. Para nós que vivemos aqui no Hemisfério Sul e que não temos muito acesso ao que acontece no meio musical americano (pelo menos ao que não é produzido para ser consumido mundialmente) podemos pensar que esse foi apenas mais uma tentativa da cantora de ganhar uns trocos, mas o disco teve um ótimo impacto e rendeu algumas boas repercussões:

“Memphis Blues” debutou em #26 na Billboard 200, vendendo 15.353 cópias na semana de lançamento e conquistando a terceira melhor posição da carreira de Lauper. O álbum é considerado um sucesso para o gênero, pois ficou 14 semanas em primeiro lugar na parada de blues da Billboard e suas vendas já ultrapassaram 600 mil cópias, sendo 10 mil destas no Brasil.Além disso, 7 canções do álbum entraram de uma só vez no Top 25 Billboards Blues Digital Songs, incluindo Crossroads em 1º lugar.

Cabe também destacar a ótima produção fotográfica do álbum, uma marca registrada da cantora. Belas fotos e figurinos inspirados. Eu recomendo.